藝術史研究所
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沿革與宗旨
本所成立於2008 年8 月，原為美術系中國美術史組、西洋美術史組，歷史悠久，後獨立成為藝術史研究所。創所目標旨在發展東、西方藝術史學術研究，培養具備專業知識、思辨能力、審美涵養、國際視野、推展藝術鑑賞，及關懷文化資產保存與維護的藝術史學術專才。本所結合東、西方藝術史專長師資，厚植藝術史、視覺文化，以及藝術交流史之教學與研究，並拓展歐、亞國際學術交流與研究。
本所師資力求多元，除了外籍專任教師之外，亦不時聘請外籍講座教師、訪問學人於本所開課。並從國立故宮博物院、中央研究院等研究機構聘請研究員作為兼任師資，以求課程的多樣性和專業性。
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Item 遼畫的社會文化背景、定義與誤歸問題探討(2025) 曹玖; Cao, Jiu遼（907–1125）由契丹族所建立之多民族國家，漢族為其中之多數居民。其統治疆域橫跨今日中國東北、華北及蒙古草原地區，藝術文化亦兼具草原遊牧與漢地制度之雙重特性。然當代學界對遼代繪畫之認識，長期偏重於墓室壁畫，對紙絹繪畫之創作制度、社會背景、風格樣貌、圖像題材及其歷代流傳等議題，尚乏系統性之研究。本文首先透過對遼代社會族群結構與文化政策之梳理，可見其農耕與遊牧並行之雙軌文化體制，以及貴族階層（如耶律倍、遼聖宗）與宮廷畫院（如翰林畫待詔陳升）之繪畫活動，共同構成紙絹畫實踐之社會環境與制度基礎。再者，葉茂台七號墓所出土之掛軸實物，與北京趙德鈞墓室壁畫〈觀畫圖〉中卷軸觀賞情境之描繪，亦可作為紙絹畫存在形式之具體證據。在論證遼代紙絹畫之創作基礎後，本文進一步整理出土實物與傳世作品，並歸類提出「遼畫」作為一具有文化主體性的藝術術語，以及遼畫之題材，典型風格特徵等。為解答「遼畫之形象為何模糊不清？」本文進一步對藝術史知識建構的歷史進行反思，指出北宋早、中、晚期的文獻記載逐步遮蔽了遼畫相關資訊，導致遼畫在後世的藝術史知識建構中逐漸失名。宋元以來的書畫編纂系統，基於文化偏見、政治立場，將遼畫錯誤歸入如陳居中等宋代畫家名下，最終由清代《石渠寶笈》系統性地鞏固此一錯誤命名邏輯，導致遼畫在當代藝術史體系中幾近消隱。本文使用社會文化史研究-圖像風格比較-畫史文獻比對三重遞進式的方法，嘗試重建遼代紙絹畫的創作背景、風格圖像定位、與認知歷史。「遼畫」之提出，嘗試突破過往中國藝術史研究中漢族王朝中心主義的限制，建構去中心化的多元視角，進而促發對既有藝術史知識之建構歷程的批判性思考。Item 唐宋時期越窯系瓷盒研究——以器型、紋飾為主(2025) 許雯鈞; Hsu, Wen-Chun本論文聚焦唐宋時期越窯瓷盒，深入探討其器型演變、紋飾風格與文化意涵。越窯瓷盒自中晚唐崛起，不僅標誌著製瓷技術的飛躍，更因與吳越國錢氏等上層社會的緊密關聯，而使秘色瓷盒以土貢、進奉、貿易等方式流入中國北方、海外。透過整合紀年墓、窯址地層與沉船等考古證據，輔以文獻記載，本論文對越窯瓷盒建立系統性的器型分類與分期。其中最為顯著轉變在於五代至北宋早期，植物造型的像生盒，以及蓋面扁平、高圈足外撇的瓷盒逐漸流行。越窯瓷盒紋飾的裝飾技法以刻劃、印花與鏤空為主。植物紋中，蓮花紋由唐代的簡約對稱演變為五代北宋的寫實立體；動物紋則常見雁、雀、鶴等鳥紋，以及鳳凰、龍、獅子等瑞獸。套盒分面，鏤空為主要裝飾技法，其樣式從晚唐五代的「壼門」、「雲紋」樣式，演變至北宋時期代表禮制、吉祥寓意的「綬帶紋」，清晰揭示了風格與文化意涵的時代變遷。綜上所述，本論文透過器型與圖像的整合分析，完整勾勒出越窯瓷盒風格特色。越窯瓷盒不僅是唐宋時期工藝與審美的結晶，更是承載了禮制思想、宗教信仰、跨文化互動的複雜文化載體，從而確立其在唐宋物質文化史中的獨特價值。Item 宋到元時期瓷器魚紋裝飾研究(2025) 奚望; Xi, Wang宋代（960–1279）作爲中國陶瓷發展史上的重要時期，其魚紋裝飾藝術在工藝與審美層面均達到高度成熟，具體反映了該時期的文化心理與視覺表達方式。本研究以宋代瓷器上的魚紋爲主要研究對象，輔助結合遼金時期和元代時期瓷器魚紋裝飾，綜合運用藝術風格分析與圖像學方法，從魚形圖像的造型特徵、紋樣組合、器型搭配與配景紋飾等方面進行系統探討；進一步考察其所採用之裝飾技法，包括刻花、印花、剔花、白地黑花及貼塑等，並結合磁州窯、耀州窯、定窯、龍泉窯與青白瓷窯系之考古資料與沉船出土實例，歸納宋代魚紋瓷器在不同地域窯場中的藝術風格與技術特點。最後，通過中外魚紋圖像的比較研究，剖析魚文化在陶瓷裝飾設計中的象徵意義與技藝傳承，並探討其對後世工藝美術與文化交流的潛在影響。Item 追憶阿卡迪亞: 尚-巴蒂斯特・卡密爾・柯洛的風景畫(2025) 尤欣慈; Yu, Hsin-Tzu尚-巴蒂斯特・卡密爾・柯洛（Jean-Baptiste-Camille Corot，1796–1875) 以其抒情風景畫而聞名。柯洛在多幅的風景畫中描繪了平靜與和諧的場景，使人聯想起古羅馬詩人維吉爾 (Virgil，70–19 BC) 對阿卡迪亞理想世界的描繪。對此，與柯洛同時代的藝評家泰奧菲爾・哥提耶 (Théophile Gautier，1811–1872) 也經常將其作品與維吉爾進行比較。有鑑於此，本文將闡明柯洛如何在他的風景畫中體現阿卡迪亞的思想。針對該議題，本文首先聚焦在柯洛作品《阿卡迪亞的牧羊人》，將其與阿卡迪亞傳統形象相關的繪畫進行圖像分析。接著在第二章，透過柯洛本身對阿卡迪亞思想的理解，以及當時社會背景對他的影響，進一步釐清柯洛大量創作阿卡迪亞意象風景畫的原因。最後，在第三章，筆者將從更廣的視角來理解柯洛的阿卡迪亞思想，分析這位藝術家如何跳脫傳統的先入之見，在風景畫中創造屬於他個人的阿卡迪亞意境。經過上述分析，本文旨在闡明如何識別柯洛的阿卡迪亞風景畫作，並說明他在阿卡迪亞思想的詮釋上，與其他藝術家的區別。透過重新審視柯洛的阿卡迪亞風景畫，我們獲得了新的解讀視角，他的風景畫不僅體現了他個人的理想世界，也反映了他人的烏托邦。Item 遼金時期魚龍變紋飾研究(2025) 許容瑄; Shiu, Rung-Shiuan魚龍變紋飾為「龍首魚身」的動物形，其紋飾的起源可能為佛經中的摩竭以及中國原有的魚文化與龍文化，相互融合下形成的紋飾造型。紋飾發展自魏晉南北朝時期。龍首魚身的形象確立於唐代中晚期，並深度影響遼代的紋飾發展。至遼金時期，紋飾的發展達到興盛期。遼代多承襲自唐代，持續發展至金代，形象變化豐富，應用媒材與器物類型也更多樣化。紋飾意義與當時代的社會風氣、文化傾向、宗教信仰等因素相關。本文亦試圖從以下三個面向探討遼金時期魚龍變紋飾的社會意義。一為此時期魚龍與儒家文人士子及星象學、星術的關聯。二為遼金時期的佛教發展下紋飾的發展與使用脈絡。三則以墓葬出土資訊為主，藉由考古出土資料可歸納使用者的身分階級，試圖以此推測魚龍變紋飾可能的使用族群。本文以魚龍變紋飾為主要研究對象，主要聚焦於遼金時期的魚龍變紋飾。首先追溯魚龍變紋飾的起源，以及在遼金之前的發展。其次分析遼金時期魚龍變紋飾的類型，在此時期紋飾持續變化，並發展出不同的媒材與造型，如魚龍形器物，以及變形魚龍。最後則探討其在遼金時期的社會意義。試圖從上述各面向歸納出遼金時期魚龍變紋飾的特色。Item 夏爾·勒布朗作品中的聖家：十七世紀法國的宗教主題畫作(2024) 鄭欣恬; Cheng, Hsin-Tien夏爾˙勒布朗（Charles Le Brun, 1619–90年），身為法國國王路易十四（1654–1715年）的首席畫家及法國皇家繪畫與雕塑學院院長，是法國巴洛克時代早期古典藝術的縮影。本文的研究對象是他的一組聖家畫作，迄今為止受到的學術關注相對較少。這些畫作創作於17世紀中葉左右，勒布朗的學生克洛德三世˙尼維隆（Claude III Nivelon, 1648–1720年）在1690年代撰寫的傳記《勒布朗先生作品描述》中對其進行了記載。這些作品可被視為十七世紀法國廣泛流行聖家這一圖像主題的重要例證。本研究的目的是運用圖像和風格分析的方法來研究這一特殊題材的風行程度。更廣泛而言，本文會以反宗教改革的背景分析這些作品的圖像，其在16世紀中葉後從羅馬傳播到歐洲的天主教國家。自此之後，為了符合特倫托大公會議（1545–63年）提出的要求，新的圖像題材受到推廣。夏爾˙勒布朗周圍流行的宗教和思想潮流便成了需要探討的對象。接下來，畫家創作靈感的來源也會受到探究。因此，將對文藝復興晚期至巴洛克早期的義大利、法國和佛蘭芒繪畫進行研究。而論文最後的部分將探討勒布朗對圖像學的獨特貢獻。Item 璀璨聖光之意象：在公東教堂中的重現(2025) 歐玫劭; Ou, Mei-Shao本論文探討光線在塑造公東教堂（Saint Joseph’s Chapel）宗教空間經驗中的關鍵角色。該教堂由瑞士建築師賈斯特斯‧達興登（Justus Dahinden, 1925–2020）設計，建於1960年代初，位於臺灣臺東的公東高級工業職業學校（Saint Joseph’s Technical Senior High School），是東亞地區少見的現代主義天主教建築實例之一，亦反映出當時禮儀改革與文化轉型的時代背景。研究結合建築理論、圖像分析與現地觀察，分析賈斯特斯‧達興登如何透過自然光與人工照明營造出專注、親密與沉思的靈性氛圍。特別著重於瑞士藝術家艾伯特‧威德爾 （Albert Wider，1910–85）所設計的彩繪玻璃苦路十四景（stations of the cross）與禮儀聖器，這些元素強化了整體的宗教象徵性。論文亦將聖若瑟禮拜堂與歐洲同期的教堂建築進行比較，特別是勒‧柯比意（Le Corbusier，1887–1965） 在廊香教堂（Notre-Dame-du-Haut in Ronchamp，1950–55）和拉圖雷特修道院（Sainte Marie de La Tourette，1953–60）的作品，藉此探討賈斯特斯‧達興登如何將現代主義建築理念轉化並融入台灣的文化與環境脈絡中。最終，本研究提出一套理解光線作為現代宗教建築中象徵性與空間性語彙的方法論。Item 于右任書法鑑識研究—以在台灣展出作品為例(2025) 廖子慧; Liao, Tsu-Hui本文主要研究民國初年渡海時期的政治家、詩人及書家的于右任，關於他曾在台展出過的存世書法之真偽的鑑識。清末明初時的中國書風，混雜了乾嘉時期興起的碑學、考古發掘的文字歷史所興起的文字革命，以及西風東漸的東西交會氛圍。在這樣的背景中，于右任(1879-1964) 以其不同身份及時代背景、勤奮果敢的精神，造就他身為讀書人的自覺下，不朽的書法成就。光就存世贈予他人的書作，就據說不下五萬件。從考仕途到從事革命，蒐集碑學到研究歷代草書。因愛日省力，企圖在文字上做出變革，制定了「標準草書」，為中華民族圖謀一條生路。到最後，晚期人書俱老，世稱「于體」。于右任傳奇的一生，帶動書藝的變化與風骨留存。本研究試著從台灣展出的四場主要較為可信的于右任書法展中，建置成資料圖庫，整理于右任不同時期的書法風格，以列出有紀年之分期署名及書藝轉變之研究，嘗試讓真正的于右任能長久呈現在世人眼前，免受偽作淹沒。一二章首先談及于右任的生平事蹟及書藝時期。第三章開始，談及于右任書藝特色，以中末期風格特色為主，並分享目鑑之法。並於第五章作本次研究總結，拋磚引玉。Item 連結與流動：塩田千春作品中的跨文化物語(2025) 俞鳳仙; Yu, Fong-Sian日本藝術家塩田千春（1972年生）以沉浸式裝置藝術聞名於國際，其創作將線材、拾得物與空間環境交織在一起，探討記憶、身分、缺席與情感糾纏等議題。自1999年定居柏林以來，她始終處於東西方美學傳統交會的前沿。其跨文化的生命經驗深刻塑造了藝術語彙，使行李箱、鞋子、鑰匙與紅線等象徵性物件得以承載遷徙、渴望與文化協商的視覺敘事。塩田的作品並非僅僅描繪個人記憶，而是將其轉化為跨越文化界限、可被共享的視覺語言，並透過觀者的身體在場引發情感共鳴。本論文探討塩田如何透過空間構成、材料選擇與情感勞動，使記憶具體化並得以感知。首先聚焦於長期系列《Accumulation – Searching for the Destination》（2011–2025）的形式演變，剖析她如何以二手行李箱與紅線構築出象徵遷徙與不確定性的場域。這些行李箱多來自跳蚤市場，保留使用痕跡，經由懸吊、機械擺動與密集排列，被轉化為記憶的容器與精神的載體。論文亦分析鞋子作為身體痕跡的再現媒介。在《Over the Continents》（2008–2015）中，觀眾需穿越由紅線連結的舊鞋構成的空間結構，在行走過程中與記憶產生身體性的連結。塩田運用鏡面、線材密度與懸吊高度等空間手法，營造非語言、非線性的記憶氛圍，使觀者的移動與視線成為經驗的一部分。接續章節探討其創作中蘊含的文化脈絡，包括日本美學中的「間」（ma）、無常（mujo）與付喪神（tsukumogami）觀念，如何在裝置中轉化為時間感、精神性與物的生命性。同時，本研究亦分析塩田在 Marina Abramović 與 Rebecca Horn 門下的重要養成經歷：從 Abramović 習得全然投入身體的紀律，以及「身體本身可以不依賴語言敘事」的理念；從 Horn 則獲得對物件表演性潛能的敏銳感知。這些養分促使她由現場行為轉向裝置創作，仍保留表演張力，並邀請觀者以身體參與感知歷史與情緒。最後一章引入文化混融、女性勞動與後博物館空間等理論觀點，論證塩田的作品並非旨在消解文化差異，而是透過象徵物件、編織行為與協作勞動，形塑跨越語言與邊界的共感空間。其紅線裝置不僅呈現身體與記憶的關係，亦揭示集體製作與關懷勞動的女性經驗。觀者在作品中必須放慢節奏、調整步伐，藉由移動與凝視，實踐記憶的當下再現與共時體驗。本論文從材料性、空間性與文化詮釋三個面向，全面分析塩田千春的裝置藝術實踐。透過具體作品個案與理論架構，揭示她如何藉由物件來源、空間節奏與情感勞動構築記憶場域，並指出其作品對當代裝置藝術中記憶倫理與跨文化共感的深遠意義。Item 戰後臺灣國際現代主義：臺北中央研究院美國研究中心(2024) 劉鈺涵; Liu, Yu-han一棟坐落於臺北市南港區中央研究院的西南角、具現代主義特色簡樸建物，為今日的中央研究院歐美所圖書館。前身係美國研究中心，建物完成於1972年由美籍建築師普西沃．古德曼（Percival Goodman，1904–89）與他來自中國的合作夥伴王秋華（1925–2021）所設計。二次戰後，臺灣政治、經濟與社會的復甦，皆與美國援助相關，學術的重建與發展亦然。為鞏固當時中華民國之國際地位，對美相關的研究需求日益增加。兩位中央研究院院長胡適（1891–1962）及王世杰（1891–1973），積極推動與美國之間的學術合作，後於1972年3月中美人文社會科學合作委員會下設美國研究中心，建物選址於院區內並於同年9月完工啟用。回顧現代主義建築在臺灣的發展，可追溯自日本殖民統治臺灣時期。第二次世界戰後，一群中國建築師中將在歐美習得的西方建築知識與經驗帶入臺灣。這些建築師亦將中國傳統的建築理念融入其在臺灣的作品中。而建築師王秋華曾在中國學習建築外，亦有美國之學術養成背景，她將實踐經驗融入於設計作品當中。其設計品質體現她的專業知識和經驗。本論文透過分析建物的歷史、建築語言、材料選擇和結構配置來研究美國研究中心的發展歷程。旨在追溯建物構件的潛在起源，以及理解建築師如何運用現代主義建築語言來實現設計目標。此外本研究也將試圖確定負責該設計的建築師。鑑於學界通常將執行設計師的角色歸於Percival Goodman與王秋華兩人，有必要調查Goodman是否在設計中擔任主導角色，或王秋華是否獨立設計，尤其考慮到她對當地環境更為熟悉。