藝術學院

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國立臺灣師範大學藝術學院(以下簡稱本院)成立於民國71年8月(1982年8月),將原文學院美術學系、音樂學系,與工藝教育學系合併為藝術學院。87學年度,工藝教育學系(科技應用與人力發展學系)改隸科技學院,本院其後陸續增設設計研究所、民族音樂研究所、表演藝術研究所、藝術史研究所、視覺設計學系。96學年度,音樂學系、民族音樂研究所及表演藝術研究所合併改制為「音樂學院」,本院成為以視覺藝術創作、研究為主體之教育單位。101學年度將視覺設計學系學士班﹑工業教育學系學士班-室內設計組及設計研究所整併為設計學系,本院即由美術學系、設計學系及藝術史研究所等三大系所組成。

美術學系始創於民國36年,當時為本校前身「臺灣省立師範學院」所設置的三年制美勞圖畫專修科,民國37年擴編為藝術系,民國56年藝術系改隸於「國立臺灣師範大學」並更名為美術學系,為國內歷史最為悠久之高等美術學府,多位早期國畫或西畫大師皆任教於此;美術系館內有設備完善之德群畫廊、專業教室、豐富藏書之圖書室及歐洲進口大型石膏像及其他各項教學設備。

設計學系學士班課程以「多元化」之教學規劃,碩博士班課程為設計高度實務應用,以「創作導向」作為研究模式,導入管理、企劃、行銷、政策等高階設計整合性課程。空間設有整合與創新設計、圖像與設計心理、影音剪輯等各類實驗室,並附有多種高階新穎之設備。系級中心-「文化創藝產學中心」為提升本校文創產業的競爭優勢,提供美學經濟加值之專業服務。

藝術史研究所成立於97學年度,設有西方藝術史及東方藝術史等兩組專業,西方藝術史組課程,涵蓋十五至二十一世紀西方繪畫、建築與工藝等藝術;東方藝術史組,包含書畫與視覺文化、工藝與建築、亞洲藝術與交流、台灣藝術等四大領域。購置Gernot Prunner Library所藏豐富的圖書,及各類藝術圖書,為國內擁有最豐厚的亞洲藝術史以及西方近代藝術史研究圖書資源的學術機構之一。

各領域課程

科系 學士班 碩士班 博士班 在職專班
美術學系 -國畫組
-西畫組
-藝術產業學分學程
-國畫組
-西畫組
-美術教育與美術行政組
-美術理論組
-美術創作理論組
-水墨畫
-繪畫
-文物保存維護科技
-美術教育與美術行政暨管理組
-美術理論組(含新媒體科技藝術)
-藝術行政暨管理班
-美術創作班
-國畫組
-西畫組
設計學系 -視覺設計組
-產品設計組
-生態藝術與科普傳播學分學程
-室內設計學分學程
-視覺與媒體設計組
-產品與服務設計組
-不分組 -設計創作班
藝術史研究所 -東方藝術史組
-西方藝術史組

院級特色中心及展場

98年12月在教育部及校方支持補助下成立院級中心-「文物保存維護研究發展中心」,具有全國頂尖的現代化修復設備,置具完整功能之修復室與教學空間,培育本校優秀之文物修復與研究人才。為推展版畫藝術,103年10月本校廖修平講座教授捐贈成立院級「國際版畫中心」,提升臺灣版畫藝術在國際能見度及專業交流平台。 本校展覽場地包含美術系德群畫廊、設計系青田十六及本(107)年度成立之師大美術館,該館典藏本校3千餘件校友留校珍貴畫作,並具現代化設備,提供國際水準之藝文交流平台,亦期為未來本院學生實務學習與研究之場域。

師大藝術節 - 創”藝”氛圍 點亮師大生活圈

本院自1994年起舉辦一年一度師大藝術節,系列活動於3月底為藝術節起跑熱場,活動延續至6月,以視覺藝術形態呈現多采多姿的藝術節。以學生創作為主體之開幕系列活動包含創藝市集、人體彩繪、人像速寫、裝置藝術、商圈聯展及各式手作工作坊等。另整體活動包含國際交流展、研討會等,藉此拓展國際合作契機,也呈現各系所特色發展。師大藝術節為本校年度盛事,活動的舉辦增進師大校園與社區鄰里間的互動,並帶動校園及整體師大生活圈藝術氣息。

國際學術交流

本院近年來積極與海外相關視覺藝術領域院校進行交流互訪,簽署學術合作協議,延聘優秀國內外師資,聯合舉辦跨國美展、學術合作計畫、國際學術研討等實質性學術交流,鼓勵學生參加國際競賽,並吸引諸多外籍學生前來本院研讀進修。
簽署院系所級學術合作學校──
大陸地區:中央美術學院、上海大學美術學院、蘇州大學藝術學院、浙江大學人文學院藝術學系及美學與批評理論研究所、廈門大學藝術學院美術系。
亞洲地區:日本東京藝術大學美術學院、韓國同德女子大學藝術學院、韓國成均館大學設計學系、泰國藝術大學繪畫、雕塑與平面藝術學院。
歐美地區:瑞士西北應用科學及藝術大學藝術與設計學院(前巴塞爾設計學院)、捷克布爾諾理工大學機械工程學院、德國帕德柏恩大學有形與無形文化資產研究所、英國西英格蘭布里斯托大學(電影製作系、平面設計系、動畫製作系、攝影系)。

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    行形攝色—影像拼貼設計之創作研究
    (2022) 廖光華; Liao, Kuang Hua
    「攝影是發現美,設計是創造美」的視覺活動,影像是攝影的機械形成,在平面 設計擔任素材提供的角色,「讀圖時代」的到來,使得兩者互動更加緊密。影像 設計中常運用的「拼貼」在各大藝術領域中被廣泛應用,因自由、創新的概念正 是當代影像的發展關鍵。拼貼的基因特徵是將各類元素、形式、觀念等進行解構 重組,從抽象到具象,從重複到重構,使影像能創造更多的視覺體驗。透過文獻 分析法與個案分析法,彙整當代影像拼貼之成果及相關論述,以三大面向進行分 析探討:(1)當代影像發展脈絡(2)影像設計手法表現分析(3)拼貼手法相 關研究,從而構思影像拼貼之創作形式。創作方法則以希臘思想家亞里斯多德所 提出之「四因說」為依據,引申其意義並構建「行形攝色—影像創作系統」,目 的為整理出系統化的流程與觀點,拓展創作内容與表現。運用「拼貼」手法對影 像元素進行解構、重組、合成等設計構成,進行影像再造。經文獻分析整理、聚 焦和收斂過程,並邀請學者、專家小組協助分類定義,總結影像拼貼的十種設計 表現 : 「解構重組、幾何分割、複像構成、影像重疊、肌理質感、抽象模糊、破 壞切割、圖形再造、人物情緒、異質共構」。經具體研究可發現,攝影是影像拼 貼設計的基石,而拼貼是影像設計的重要表現,兩者相輔相成才能將影像拼貼處 理得細緻與完整。另外在創作研究的加值上,運用「行形攝色」四個表現形式, 能實驗出多樣的影像拼貼可能性,創作以「城市意象」為表現主題,並以此作為 研究成果之驗證,從而拓展在「讀圖時代」中,影像設計創作的新視界。
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    莫克西的異時性與全球藝術史觀之研究
    (2023) 王珮倫; Wang, Pei-Lun
    藝術史的書寫往往仰賴一種普遍的風格辨識取得時間感和歷史分類,因此藝術作品長期以來被視為物件,按照風格、地域、年代被放置在所屬的類別和框架,然而當代藝術的出現打破了過往既定認知的線性史觀,我們面對的是一個沒有特定風格,同時時序混亂的時代。藝術史學家莫克西認為現代主義線性時間的停止提供的是一個機會,讓藝術史學家回過頭審視過往的歷史書寫方式,重新檢視長期主導過去,同時也持續影響現在的權威典範,莫克西認為,既然現代主義的時間是多元的,在不同地理區域有不同快慢的時間流逝,那麼歷史書寫也不應該只有單純存在一種過去、現在、未來的解釋方法。莫克西進一步指出,圖像轉向的趨勢是當今藝術史學家必須面對的問題,我們身處在圖像的時代,過去以文字為主片面地將圖像馴服在不同歷史時間段的方式有所限制,莫克西提出時代錯置理論,加以闡釋圖像本身作為活生生的生命體,具有主動邀請觀者感受、詮釋的力量,因此面對圖像,歷史學家需要更多的解釋方法,在意識到異時性與時代錯置這兩點之後,歷史才能進一步的書寫下去,也才能更真實的反應當代多元發展的全球藝術表現。
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    中小學視覺藝術教師當代藝術教學經驗與信念之研究
    (2021) 曾仰賢; Tseng, Yang-Hsien
    當代藝術的發展趨勢受到越來越多關注,而當代藝術也逐漸被認為是學生重要的藝術學習範疇之一。因此,對於中小學視覺藝術教師之當代藝術教學經驗與相關教學信念的探究,成為藝術教育界應予探究的議題。本研究採個案研究法中的多重個案研究,試圖了解六位中小學視覺藝術教師的當代藝術教學經驗與異同,並藉美術館雙年展為場域分析其對個案教師當代藝術教學信念的影響。研究結果發現,個案教師面對當代藝術易有疏離與陌生感,並存有對當代藝術教學專業的疑惑。然而,個案教師均有著以學習者為中心的教學專業評估與教學信念,認同必須在當代藝術教學不斷嘗試累積的經驗過程,逐漸移轉信賴已久之過往藝術教學內涵的教學信念,方能夠理解學生對當代藝術的學習過程,並進行因不同生活經驗與先備知識產生的差異性教學實施。本研究在梳理個案教師於當代藝術教學的認知與理解,以及教學實施內涵與經驗後,提出結論:中小學視覺藝術教師當代藝術教學經驗的認知與理解之社群共備趨勢、媒體科技資訊專業素養發展歷程的必要性;在當代藝術教學經驗的異同發現,是來自於藝術專業評斷分析與網絡資源結合應用的實踐;在美術館雙年展教學信念影響的關鍵,在於透過自我導向式的觀看經驗與館校教育資源的鏈結發展運用。透過前述研究歸納,本研究建議:未來應以不同的研究方法探究從學生為中心的當代藝術教學實證研究、以課程規畫設計理解當代藝術教學信念的研究,而目前臺灣已趨近成熟的美術館雙年展應可提供中小學視覺藝術教師做為課程規劃與教學實踐的適當資源。
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    藝術、思想與社會實踐-陳界仁藝術生命再閱讀
    (2022) 林孟華; Lin, Meng-Hua
    藝術作為創造自我能力(power)的可能,蘊含對生命課題的探討,拉近與社會現實的間隔,也展現了一時代思潮的藝術語言與社會特徵,藝術似乎成為報導、紀錄與批判反思的介質,大敘事下的歷史展現,或個人生命記憶的故事。政治藝術或帶政治語境的藝術而言,最終仍得在藝術本質上出發,藝術從來都是一種想像的蔓延,本研究以陳界仁藝術創作對於當下社會徵狀、文化意義及歷史演進的銘刻,試圖找到何種當代思辯的方向。本研究第一章為緒論,第二章從當代藝術(contemporary art)中觀念、身體、跨域、影像藝術等特異媒介(media specifit),所呈現社會文化議題,作為接續論述的基石,並返回臺灣歷經60年代現代思潮、70年代鄉土風潮、80年代社會運動迸發、90年代全球化狂潮迄今科技資本一體現象,梳理臺灣藝術發展脈絡。第三章進一步回望陳界仁的創作路徑,涉及表現形式、議題內涵及核心思想,瞭解藝術家創作與實踐,介於內在感知與外在事物關係性質(relational property),透過身體去突破、衝撞當時的政略體制,去試圖用「説」以外的方式,蛻現內在的感受,以「造影」作為對抗科技技術,讓歷史記憶中的斷裂缺口,重新被看見。第四章從生命經驗、歷史記憶出發,回應當代社會文化關係,係思想家、藝術家、抑或行動實踐者,以觀念、思想與意識展開社會文化敘事、社會關係對話與思想語彙傳達主題探討。第五章結論,從藝術家的創作史,思考藝術的社會精神及語藝傳達,開啟另一扇「再閱讀」(re-reading)的觀景窗。研究發現,陳界仁的藝術創作計畫與行動,對於社會、政治與個人精神擴延意義,以及後續觀者解讀的想像,其產生無數「再創作」詮釋的潛能;「時間」是陳界仁作品中一直探詢的母題,援引佛法思考觀,試圖揭弊看不見的無明(avidyā)與不斷位移座標的彼岸,影像敘事時間中,緩慢鏡頭恍惚凝結的瞬間,讓事件的時序脫離,邀請觀者進入並提問,以「空性」(śūnyatā)作為超脫幻象的循環,成為陳界仁映照世界的方法論。
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    牆的空間觀念:林郁樹藝術創作論述
    (2021) 林郁樹; Lin, Yu-shu
    無論古代或現代、國內或國外,「牆」總是出現在我們週遭。它是道「屏障」,用來保衛我們的安全;也是一道「阻隔」,分開兩方阻斷交流和溝通。牆是二個空間的「屏蔽」及「穿透」的媒介物。自50萬年前原始人的遺跡就有發現牆的存在,當時便以「牆」來保護生命和財產。夏、商、周、秦漢、唐宋元明清到現代,許多的「牆」建起又毀壞,如:仰韶文化期(4000B.C.)、周壁畫、阿房宮、萬里長城……等。古老西方如希臘、巴比倫、羅馬、埃及到近代歐美國家等亦有許多知名的牆,如哭牆、西斯汀教堂壁畫、柏林圍牆、墨西哥牆等。論文第一章節、筆者試從「牆的歷史」出發。第二章節、搜集古今中外「牆」之論述。過程中接觸到「原始藝術」、「敦煌石窟」、「靈岩寺壁畫」跟「牆」有關的藝術。「工筆界畫」著名畫家郭忠恕,〈臨王維網川圖卷〉張擇端〈清明上河圖〉上的宮殿、現代鋼筋水泥及鄉土村舍也都有牆的存在。第三章論述、每道牆肌理質感不同,其繪畫的皴法也不同,如蔡友用蠟燭擦拭牆面後再墨染、李振明乾筆細皴皆在表現物表的質地、吳恭瑞水染墨漬筆韻帶出光影的效果。這三位當代水墨畫家也對生長地臺灣,有著濃厚關懷「鄉土寫實」也是筆者創作藝術研究之一。其他如臺灣板橋林本源園邸的「花牆」是中國特殊蘇州園林美學。當代有關「牆」主題展筆者列舉:2000年國立歷史博物館、2005由高名潞策展《牆.中國當代藝術的歷史與邊界》2020世界建築攝影比賽。這三個展來研究當代著名藝術家對「當代藝術的牆」之時代新貌闡述。當代藝術家如何展現牆的美:吳冠中、蔡友、李振明、吳恭瑞、李君毅、卓有瑞、高義瑝、蔡國強……其衍生的藝術、如牆的「建築藝術」、「地景藝術」、「裝置藝術」、牆的「攝影藝術」、牆的「行動藝術」及「概念藝術」……等等。第四及第五章論文研究牆的繪畫技法和筆者創作、這些藝術結合了牆空間觀念,其發展出的作品,種類繁多、形狀各異、功能也不同、想法更是創新。但是表達藝術進步的渴望是想同的。異類結合可觸類旁通、多師多益的藝術理念,筆者常以此心態在研究繪畫,這些作品展現牆的故事和藝術家想要的真、善、美,所以其內容包涵眾多,不僅只為表達「美」而已,有對現實生活「真」的反應、以及心中之神佛「善」表現。筆者藉由以上研究對創作方法、構圖、風格、理念皆得益良多,再加上為使論述合情合理,作品有憑有据,筆者所繪多是「寫生」或「旅遊經歷」後繪製。對過往歷史事件、學者論述皆是遍查書籍後才創作。筆者以探研藝術家作品增己身「力度」、遊歷四方以增「廣度」、鑽研學理增己「深度」實是全力而為,期待有所好評。創作研究為將繪畫心得於文字上記錄,另義也期望能益於提昇藝術修為。
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    Barbara Kruger圖文作品之女性意識與身體政治
    (2019) 陳育菁; Chen, Yu-Jing
    Barbara Kruger的創作隨著女性主義的演變而轉變,她將圖像與文字諷刺性地解構再重構,對日常生活的建構和消費、誘惑和控制的社會機制進行批判性理解。本論文將Kruger的作品分為「性別論述」、「父系霸權」、「主體自我」三大範疇進行探討與分析。 Kruger的圖文作品傳達性別差異是經過文化詮釋過後的意涵,社會性別強制身體變成一個文化符號。男性陽具在父權社會象徵權力,對女性身體的貶損導致意識形態上的統治,刻板印象更有助於製造標準化的主體。在父權社會中,女性是被剝削的對象、可交換的商品,女人被塑造成性慾的對象,在女性氣質的面具下失去自我。軀體美學使身體成為異化的產品、消費的對象,資產階級「苗條的暴政」乃文化標準化女人的強大規訓。身體是權力的鬥爭場域,女性成為規範權利下幽暗沉默的犧牲品。女性應透過書寫向父權的專斷論述宣戰,打破菲勒斯中心話語的統治。 Kruger圖文作品慧黠幽默的諷刺性結合,揭示社會隱而不宣的現實及女性難以啟齒的切身訴求。女性久遭壓抑馴化的身心因與其作品共鳴而遭受撩撥,鬆動制伏僵化身心的銬鐐枷鎖。Kruger女性議題的作品完成階段性的時代任務,極具歷史意義及價值。
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    漫畫展的語法:井上雄彥創作研究,2004-2014。
    (2015) 柏雅婷; Po, Ya-Ting
      90年代末,隨著漫畫之父手塚治虫(Tezuka Osamu, 1928-1989)的辭世,於日本民間發展了五十多年的劇情漫畫(ストーリマンガ),始受到公部門文化單位的矚目,不但是國家重點發展的媒體藝術之一,美術館當中也開始出現以漫畫為名的展覽。漫畫展固然作為一種新興的展覽類型,但美術館方對於漫畫進駐美術館場域的開放態度,始出自對於「企劃展」的需求,而其中的脈絡又可追溯自明治時期隨萬國博覽會傳入而興起的「美術展覽會」;另一方面,大正時期,美術雜誌與讀者共同交織出輿論型態的藝評,使「美術」的品評發聲並未孤立於學院當中,而與大眾文化十分親近,遂使今日漫畫得以共享其庇蔭,不僅以大眾文化之姿進駐美術館場域,並同時還能保有自主的發聲權。   漫畫展覽化的風氣方興未艾,不僅方向及目的各有不同,也尚未有較為具體的研究案例,本文作為藝術學研究論文,試圖就現階段的漫畫展進行分類描述,進而聚焦在能夠回應漫畫自身美學問題的、著重在漫畫表現實驗的展覽上。其中,漫畫家井上雄彥(Inoue Takehiko, 1967-),自2004至2014,十年之間已舉辦過三次漫畫展,不僅在文獻與實踐上相對充足,更能看到井上雄彥在不同階段,藉由展覽對於漫畫創作投射出不同的思考與回應。積極而論,展覽並非井上雄彥漫畫的附屬品,而是創作的形式之一,不僅彰顯出「漫畫展」的美學問題及其主體性,也得以開展出較為深入與全面的討論研究。本文將透過井上雄彥三個時期的三起展覽案例,分析其中表現操作的美學意義,並藉此重新爬梳日本漫畫文化與藝術場域之間的關係。鑑於國內在面對漫畫及其相關文化時,過度著眼於圖像品味的偏狹論述,窄化了漫畫與當代藝術關聯的討論空間,期待藉此能為台灣的評述或創作現狀,提供一種較為寬廣的參照視野。
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    流•留 江玉庭現代水墨論述
    (2018) 江玉庭; Chiang, Yu-Ting
    中國繪畫在元、明、清以來的數百年間,受到文人畫的框架所制約,只是一昧地模仿,缺乏與世代的結合,遂漸漸地喪失了推陳出新的能力。要讓水墨萌發新機,營造合於時代情境的想像空間,對於現代水墨多元性的探討是本研究的動機。以超脫傳統的思維模式,運用多元媒材以及豐富的實驗技法來探索現代水墨的境遇,從筆者往返於中、港、台飛航中,平凡裡不平凡的察覺,以單純而超越本質概念的作法,擴大其表現的空間,形塑自我的獨特風格,藉以尋求更為寬闊的繪畫創作空間。採用觀察、反應反射、實驗、創作、想像力等五種態度進行創作。 在創作的過程中,讓筆者深深體會到在藝術創作裡,需要多面相的反覆研究與實驗,採取多維度的滾動思想去探索藝術內容與形式。不是去革傳統的命,而是傳承傳統,從中吸取養分,創新技法,開創自我的創作風格。為強化對創作的信心,不斷的創作是筆者擴大生活經驗的動力,透過學習傳統進行內省認識自我,來釐清自身創作的真實內涵。除去對立,進而融合、交織、潛沉,以達期望的創作效果。 師法自然是中國畫的要訣,水拓的技法是水與墨的衝擊之後表現出來的效果,無窮無盡的演繹它們每一次的相遇水花,這恰恰就是生活的必經之路。繪畫不只是形式上、構圖上、技巧上的追求,也重於內容、情感及美感或藝術表現視覺上的探索,把情感帶入作品之中,是每個創作者的終極目標。