美術學系

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國立臺灣師範大學美術系-大素描教室

一、沿革與概況

本系創立於1947年(民國36年)8月,初為四年制圖畫勞作專修科;1949年(民國38年)更改系名為藝術系;1967年(民國56年)更名為美術系。1974年(民國63年)實施三、四年級分為國畫組、西畫組兩組,進行專業教學。1975年(民國64年)實施三、四年級分為國畫組、西畫組、設計組三組,進行專業教學。2005年(民國94年)實施國畫組、西畫組、設計組三組,分組招生與專業教學,自2009年(民國98年)起設計組將逐年移轉獨立為視覺設計學系。

碩士班成立於1981年(民國70年),初設有美術教育與美術行政組、中國美術史組、西洋美術史組、國畫組、西畫組、藝術指導組,分六組招生與專業教學;2007年(民國96年)起中國美術史組、西洋美術史組自本系移轉獨立為藝術史研究所;2011年(民國一百年)起,調整為國畫組、西畫組、藝術指導組、美術教育與美術行政組、美術理論組,共五組招生與專業教學;2012年(民國101年)起,因本校設計研究所及視覺設計係整併後,調整為國畫組、西畫組、美術教育與美術行政組、美術理論組,共四組招生與專業教學。

博士班成立於2000年(民國89年),初設有西洋美術史組、中國美術史組、美術教育組、美術行政與管理組、創作理論組(水墨畫、繪畫、藝術指導、藝術評論),分五大組招生與八小組專業教學。2011年(民國100年)起,調整為創作理論組(水墨、西畫、藝術指導)、美術教育組、美術行政組與管理組、美術理論組(西洋美術史、東方美術史、藝術批評),共四組招生與專業教學。2012年(民國101年)起,再次調整美術創作理論組中的藝術指導組為新媒體藝術組。

週末在職進修碩士專班成立於2000年(民國89年),現設有美術教學班、藝術行政班、美術創作班(水墨畫組、繪畫組),分班與分組招生教學。
program

系創立迄今,已歷六十四年載,為臺灣歷史最悠久之高等美術學府。六十多年來畢業生遍及海內外,尤其國內之中等學校、大學、美術館、博物館、文化中心、美術機構等單位擔任館長、主管、系所主任、院長、董事長等重要職務,以及美術史學者、美術評論家、專業藝術家等,表現傑出。全國近三十所大學美術相關科系和研究所之大半師資皆畢業於本系所。公費時代,師大美術系每年畢業生均分發至全國各地中學,從事美術教學,因此,城鄉皆可見其畢業生。部分畢業生於服務期滿後,轉向學術研究或創作研究,隨後轉任職其他文化機構者眾多,發展途徑多元。隨著1994年(民國83年)起逐年減除公費名額之後,國立臺灣師範大學逐漸轉型成為綜合大學,師大美術系除了原先的師資培育之外,更是全力發展學術研究、加強創作與文化建設專才之培育。

師大美術系館為一獨立之六層大樓,位於和平東路與師大路交叉處,位處臺北市區之精華地段,交通便捷,為師大校園顯著之地標。系館包括有國畫、西畫、設計、理論、版畫、攝影、電腦、陶藝、雕塑、複合媒材等專業教室以及教授研究室,還有經常舉辦國內外名家展覽之師大德群畫廊以及擁有豐富藏書之系圖書館。兼具悠久歷史、完善教學設備以及傑出師資的環境下,師大美術系將永續發展。
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    大眾文化圖像的藝術
    (2013) 朱友意
    大眾文化圖像出現在十九世紀西方工業化都會的大眾文化中,其形式包括報紙插圖、雜誌攝影、電視和電影影像、廣告設計、漫畫和偵探小說…等圖像,是一經由機械大量複製化的產品,因此,它具有商品化、標準化和強制化等文化工業生產特徵。 早期現代藝術前衛運動中,已有少數藝術家對這些大眾文化圖像投以關注,並藉以顛覆既有傳統美學而運用在其藝術創作中。直到六○年代藝術有了重大轉向;向來為大多數現代藝術所鄙視的大眾文化,轉眼成為後現代藝術的寵兒,大眾文化圖像更成為後現代藝術家大量挪用或引用的藝術創作題材。 大眾文化圖像的藝術策略改變了藝術的創作思維、意識形態和科學技術…等,將藝術從原本追求原創性、崇高性與純粹性的現代藝術抽象主流,轉而朝向挪用性、親民性和混搭性的後現代藝術多元形式。六○年代以後,大眾文化圖像已成為新藝術誕生的重要媒介。
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    安迪‧沃荷的後現代意識形態研究
    (2006) 鄭惠文; Cheng, Hui-wen
    受到現代主義追求進步的影響,現代藝術在不斷的創新過程中,始終以追求烏托邦的世界為理想,但卻忽略了藝術已經離大眾越來越遠的問題。而且,現代主義嚴肅的分割各門學科,在建立美學自主領域、追求為藝術而藝術的同時,也越來越窄化了自己的創作空間。在這種內外交迫的狀況下,現代藝術的理想逐漸顯得窒礙難行。 大眾文化本有其正面性的意義,後現代藝術裡的藝術大眾化傾向是以不帶偏見的眼光重新審視大眾文化,這種全新的態度應是後現代藝術最有意義之處。後現代藝術家不再侷限於現代主義對崇高精神的要求,他們在各種形式上與大眾文化緊密結合,總喜愛以平易近人、簡單易懂的藝術與大眾進行互動。而這樣的後現代藝術美學趣味,在六○年代時就已出現在沃荷的藝術創作中。沃荷對現代藝術始終是抱持著懷疑的態度,無論是作品還是個人言行,他以「去深度性」、「去純粹性」、「去主體性」三種傾向,化解現代藝術與大眾文化的對立僵局,這種藝術思維標誌著一種後現代傾向的開端,也為後現代藝術提示了一連串的可能性。因此,今日的藝術史總會將沃荷視為形塑後現代藝術的重要人物。 本篇論文並非要全然認同大眾文化的種種,大眾文化當然有它可議之處,但是,全然的否定亦是錯誤的見解,本篇論文希望,在後現代主義的論述仍處於爭論不休的情況下,以及,在後現代藝術仍多元而龐雜的道路上,透過沃荷的後現代意識研究,或許有助於釐清六○年代以後西方藝術發展的些許脈絡,也足以認識到後現代藝術發展所產生的正面意義。
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    乍見時尚的場景—陳秀滿都市水墨創作
    (2011) 陳秀滿
      本研究為作者創作論述,以都市空間中充斥的廣告圖像及都市時尚生活為題材,都市水墨的形式為創作表現。 在都市生活中時尚與大眾文化、廣告與消費文化,息息相關且環環相扣,人們在追求時尚的活動中得到滿足,且在物質與精神的消費中表現自我及其社會身分象徵。因此,符號消費透過廣告及流行時尚的推波助瀾下,成為都市生活的重要的一環,也是都市文明的特色。在科技資訊發達的「圖像時代」,圖像與廣告結合,成為都是全球化的都市景觀,也成為都市人物生活的舞台背景,這就是此次創作以「乍見時尚場景」為題的由來。 水墨畫作為中國繪畫的代表,面臨時代的變遷,都市生活已是現實並具有時代意義的題材之一,因為它呈現今日人類生活全貌,但如何貼近當代社會文化生活的語境,成為當代藝術的主流,是今日創作者新的課題與討戰! 在緒論中闡述了研究動機及目的等,並將本文的重要詞彙加以定義。第二章以時尚與大眾文化,廣告與流行消費等說明都市為何成為時尚的最佳場所,是有其原因與客觀條件的,作為時尚與都市的連結。第三章以現在都市水墨發展及表現作為主軸,探討都市水墨的表現內容及形式,並說明都市水墨所具有的時代性及人文關懷。第四章創作理念,作者以「圖像時代」、大眾文化的品味與當代創作的關係,說明為何以都市時尚為創作的內容;並以筆墨的語言與彩墨媒材的探討來說明創作的形式與媒材與個人的創作態度及理念。第五章,作品說明。經研究落實與作品,藉作品自述對時尚生活的觀察及個人看法。第六章,結論。除整理歸納個人創作之理念與心情,更期許自己能在創作上有所突破與繼續發展之。
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    漫畫展的語法:井上雄彥創作研究,2004-2014。
    (2015) 柏雅婷; Po, Ya-Ting
      90年代末,隨著漫畫之父手塚治虫(Tezuka Osamu, 1928-1989)的辭世,於日本民間發展了五十多年的劇情漫畫(ストーリマンガ),始受到公部門文化單位的矚目,不但是國家重點發展的媒體藝術之一,美術館當中也開始出現以漫畫為名的展覽。漫畫展固然作為一種新興的展覽類型,但美術館方對於漫畫進駐美術館場域的開放態度,始出自對於「企劃展」的需求,而其中的脈絡又可追溯自明治時期隨萬國博覽會傳入而興起的「美術展覽會」;另一方面,大正時期,美術雜誌與讀者共同交織出輿論型態的藝評,使「美術」的品評發聲並未孤立於學院當中,而與大眾文化十分親近,遂使今日漫畫得以共享其庇蔭,不僅以大眾文化之姿進駐美術館場域,並同時還能保有自主的發聲權。   漫畫展覽化的風氣方興未艾,不僅方向及目的各有不同,也尚未有較為具體的研究案例,本文作為藝術學研究論文,試圖就現階段的漫畫展進行分類描述,進而聚焦在能夠回應漫畫自身美學問題的、著重在漫畫表現實驗的展覽上。其中,漫畫家井上雄彥(Inoue Takehiko, 1967-),自2004至2014,十年之間已舉辦過三次漫畫展,不僅在文獻與實踐上相對充足,更能看到井上雄彥在不同階段,藉由展覽對於漫畫創作投射出不同的思考與回應。積極而論,展覽並非井上雄彥漫畫的附屬品,而是創作的形式之一,不僅彰顯出「漫畫展」的美學問題及其主體性,也得以開展出較為深入與全面的討論研究。本文將透過井上雄彥三個時期的三起展覽案例,分析其中表現操作的美學意義,並藉此重新爬梳日本漫畫文化與藝術場域之間的關係。鑑於國內在面對漫畫及其相關文化時,過度著眼於圖像品味的偏狹論述,窄化了漫畫與當代藝術關聯的討論空間,期待藉此能為台灣的評述或創作現狀,提供一種較為寬廣的參照視野。
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    電玩失序–鄭力文創作論述
    (2019) 鄭力文; Cheng, Li-Wen
    2018年世界衛生組織(WHO)正式把電玩失調(Gaming disorder)列入正式的精神疾病後,迫使人們正視這個廣及不同族群的成癮問題。但隨著近年來電競產業的蓬勃發展,電玩從純粹的休閒娛樂變身為經濟與社交體系中緊密的一環,人們每天都與電玩共處,如何抑制成癮問題就成為一項複雜與困難的任務。 高速網路時代的資訊爆炸與電腦科技快速的進步與發展下,在看似可靠卻不確定真實性的網路資訊洪流所建構的新文化,電玩世代看似一種標籤,但卻可能扎根永固,沉淪在新舊、內外、真假的逼迫交感之中。 本創作論文奠基於馬克•格里菲思(Mark D. Griffiths, 1966 -)提出的成癮行為六大組成元素,挪用(Appropriation)古典/當代藝術作品與電玩元素作為媒介,並且結合台灣人文風景與肖像畫,投射自身想像。藉由成癮要素、藝術語彙下深層的內涵與自我反射所建立的圖譜,呈現島國民族的新風貌。
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    美國女性藝術家愛莉絲.妮勒(Alice Neel, 1900-1984)之藝術研究
    (2003) 王曉菁
    美國女性藝術家愛莉絲.妮勒(Alice Neel)的藝術表現以人像畫見長,她所描繪的人物對象因時代遞嬗而有所變化,這點也成為她藝術風格分期之關鍵。本研究之主要目的,是以愛莉絲.妮勒(Alice Neel, 1900-1984)的人像藝術為媒介,探討在受到女性主義體制肯定的前提下,其藝術的矛盾性和選擇表現藝術的執著。以妮勒的一生奮鬥歷程為主軸,以其創作的藝術風格為重點,探究女性性別經驗在藝術中的表現,和堅持傳統人物畫領域創作之原因。同時了解到體制外的女畫家積極進入體制時的掙扎與矛盾,此外亦說明藝術家與所屬藝術群體之間矛盾關係。另外,藉由其自身時代背景的關連探索,瞭解到抽象表現主義及普普大眾文化佔居主流藝術所形成的視覺品味,其中形成無形的疆界及意識型態,使的妮勒於美國40-60年代外於主流藝術情形,最後於諸多紛擾的歷史評價中找尋妮勒之正確位置,以彰顯妮勒藝術堅持之價值所在。亦藉由論述藝術品特質及藝術家奮鬥歷程,瞭解妮勒整個藝術脈絡形塑過程,及探求妮勒藝術風格與主流意識型態的差異,最後能延伸推演至整個更大格局,初探藝術與大眾、高低文化之間及品味形塑出的階級關係。 最後並做出這樣的結論﹔妮勒身為女性藝術家卻在被女性主義推崇奠定名聲之後,卻不願只是女性主義抗爭的典範,而企圖進入紐約藝術主流世界。為求她所要表現出的「時代精神」,使用最傳統的媒材-——油畫和體裁——人,藝術堅持的原因不外是以一種傳統形式抗拒藝術與大眾文化的靠攏,或批判藝術專斷鎖定某階層的弔詭,跳脫藝術單一層級,並跨越了藝術品單一文化次領域之價值,同時亦凸顯了藝術品所接收品味大眾階級屬性,拒絕混淆高低審美價值觀的分際,更排除了藝術本身的複雜、文本之意含,真誠純粹地在生活中實踐藝術。
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    兒童繪畫表現與大眾文化關係之探討:國小高年級學童自發性漫畫創作之多重個案研究
    (2001) 陳美秀
    本研究旨在瞭解大眾文化如何影響兒童的繪畫表現,並探討高年級個案學童自發性漫畫創作之表現動機、學習歷程、作品之形式與內容表現等四個繪畫創作層面與大眾文化的關係。本研究之對象為台北市某地區某國小的高年級學童,男女各兩位,並擅長自發性漫畫創作。本研究採用多重個案研究的方式,利用參與觀察與訪談做文件資料的蒐集,再將文件資料進行內容分析,最後做跨個案的分析比較,期能發現深受大眾文化影響的兒童繪畫表現之特質。 本研究所獲致的重要結論如下: 一、由於大眾文化的視覺刺激,引發了兒童創作的動機,亦提供了最佳的學習參考。大眾文化是同儕間的次文化,個案們創作漫畫作品,並提供同儕們分享與欣賞,是一種社會化歷程的表現,而個案們在創作漫畫的同時,可滿足一種自我想像的樂趣。 二、個案們從大眾文化擷取視覺表達資源,並從大眾文化圖像的描摹入手,過程包含漫畫圖像的借用、模仿、簡化與改造,與漫畫敘述語法的拷貝、簡化、修飾、記憶與轉換,並能自求解決描繪問題與困難,經過長期的練習與學習的持續,而後達成圖像表達的精練與漫畫敘述語法的精熟。 三、個案們承襲大眾文化圖像的表達系統,模仿流行的漫畫敘述語法,在漫畫符號系統的選擇與線條造型特徵表現有兩性分化的傾向。 四、個案們沿用市面上所常見的少男、少女漫畫的表現內容題材,反映以漫畫為主的大眾文化制式化的兩性題材取向。在內容表現上接收大眾文化關心的議題,在人物角色的塑造上反映英雄主義、傳統性別主義觀念,表現對異性的期待、同儕認同與同性對立關係。 根據上述研究之發現,研究者提出對兒童繪畫教學與實施九年一貫美術教學課程的建議:(1)培育兒童解讀媒體影像,(2)營造繪畫模仿的適切環境,(3)協助兒童澄清大眾通俗文化的意涵,以培養適當的價值觀,(4)把大眾文化藝術融入美術課程,(5)多元評量兒童的繪畫表現。 關鍵詞:兒童繪畫發展、漫畫、大眾文化。